Come non rimanere elettrizzati da cotanta bravura e da un film che ha queste ambientazioni. Sì, un giorno proverò a scrivere una recensione, più che farvi un elenco di mie emozioni e sensazioni, ma adesso quel che mi viene da dire è questo…Ambientato alla fine dei 70 quando in Inghilterra imperversava il Punk e arriva pian pianino anche Oltreoceano lo scalpore delle prime creste, in una realtà, quella disegnata e raccontata da Spike Lee, da una parte dei solito afroamericani (o perlomeno solo in parte) e dall’altra dalla realtà italo americana, si ricorda l’estate dell’ assassino seriale che tenne in scacco New York, fino al suo arresto, quella’ estate celebre anche per il famosissimo blackout che immobilizzò la grande Mela…Che dire! Nè un Noir, nè un giallo, ma un classico…

Summer of Sam
di Spike Lee
con John Leguizamo, Mira Sorvino, Adrien Brody
(1999)

Nella filmografia del talentuoso Spike Lee e dell’intera produzione cinematografica degli anni novanta, un posto di rilievo spetta di certo a questo ottimo Summer of Sam – Panico a New York, un film che segna decisamente una svolta nella carriera del regista americano, a cui i panni del portavoce del cinema nero evidentemente stanno sempre più stretti. Sin dagli esordi portatore di una voce e di uno stile diverso nel panorama del cinema made in Usa, reso celebre dagli ottimi Fa’ la cosa giusta (1989) e Malcolm X (1992), le sue pellicole sono caratterizzate da una potente forza evocativa, uno stile concreto e asciutto, una sottile ironia e una grande capacità di raccontare le storie e la cultura della working-class, specialmente di quella nera.

Tema portante della filmografia di Spike Lee, è quello dell’integrazione e dell’emarginazione. La sua analisi tocca sempre le radici e gli sviluppi della difficile integrazione culturale nella multietnica New York con un linguaggio realistico, aspro, che nulla lascia al moralismo e alla demagogia e che allo stesso tempo trasuda amore per la sua città. Questa componente eminentemente sociologica, in alcuni suoi lavori, ha reso il suo cinema un po’ più statico e pericolosamente didattico, ma ogni preoccupazione scompare di fronte alla forza di questo Summer of Sam (apripista per l’eccellente La 25a ora), nuovo punto di partenza di uno Spike Lee più maturo, che ha fatto sua la lezione di Martin Scorsese, ed ha annotato il devastante passaggio di Quentin Tarantino nel cinema americano. Ma è soprattutto Scorsese, che pare aver ispirato Lee in questo suo mirabile esercizio di rappresentazione di una realtà (quella italo-americana), che a cavallo degli anni ottanta appariva in fisiologica crisi, dilaniata tra la morsa passato-futuro. Sono difatti i temi della cultura di quartiere, della violenza e della redenzione, che fanno da colonna portante alla storia dell’Estate di Sam, temi che riportano in mente i migliori lavori del regista di Taxi Driver…
Fonte
a cura di Adriano Aiello

Non lo avevo neanche nominato…Tarantino. Molte volte viene indicato come regista di tutti i generi possibili, ma mai nessuno gli riconosce (e so che lui lo vorrebbe) l’influenza che ha avuto dal noir (soprattutto nei primi film), dal poliziottesco italiano e dal thriller in generale…ed è così che vado a presentare, l’indiscutibile, per me capolavoro, che si chiama “Le Iene”, un noir a tutti gli effetti, toccato da momenti grotteschi ( che poi diventeranno tipici di Tarantino) ma che tutto sommato si regge sulla tecnica del flashback a racccontare dettagliatamente tutti i personaggi della storia, e man mano che i personaggi vengono presentati, la storia prende corpo e si comprende fin verso un finale da fuochi d’artificio. Importante il cast, che regge bene il film, a partire da chi ha permesso la produzione di questo film, l’immane Harvey Keitel, ad altri personaggi mica da ridere come Steve Buscemi, Michael Madsen, Tim Roth la buonanima di Chris Penn. Significativa la partecipazione come comparsa di Edward Bunker, voluta dal regista a tutti i costi, e il che la dice lunga…grande recensione del dottor Noir, gustatevela…
PS- Chi di Tarantino apprezza le ultime cose, o guardando Le Iene, penserà che non sia lui e non ne vorrà sapere, o ri-scoprirà un grande regista…

Le Iene
di Quentin Tarantino
con: Harvey Keitel, Steve Buscemi, Michael Madsen, Tim Roth, Chris Penn
1992

Lungometraggio d’esordio di Quentin Tarantino, a tutti gli effetti, uno dei maggiori esponenti del neo noir insieme ai fratelli Coen, tanto per citare alcuni tra quelli di maggior rilievo.

Regista di culto come ,ormai, tutti sapranno esclusivamente o quasi, ahimè, grazie alla pellicola seguente, Pulp fiction, la piu’conosciuta e decantata trascurando o addirittura ignorando l’esistenza di Rasevoir dogs, Le iene, il film in questione, davvero un’ottimo esempio di gangster-movie contemporaneo. In seguito Quentin oltre ad averci regalato un’altro film se pur inferiore ai precedenti nonostante questo di pregevole fattura come Jackie Brown, lo stesso purtroppo ignorato da molti, i quali sembrano aver dato sicuramente piu’ credito ai successivi lavori come Kill bill vol. 1-2 e Grindhouse – A prova di morte, i quali, naturalmente, a mio modo di vedere siano dei meri divertissement divertenti e divertiti e nulla piu’.

Ritornando alla pellicola che merita sicuramente di essere annoverata tra i nuovi classici del genere in questione, racconta di due criminali (di cui uno gravemente ferito) scampati a una rapina finita male si rifugiano in un capannone, stabilito come punto di ritrovo per tutta la banda. Man mano che arrivano gli altri si cerca di capire cos’è andato storto, e la situazione prende una brutta piega: si è trattato di una trappola? Chi ha tradito? Il sospetto cresce, fino all’esplosione finale.

La vicenda si svolge quasi per intero nel capannone dove si incontrano i gangster, vestiti tutti allo stesso modo e ognuno chiamato con il nome di un colore (Mr. White, Mr. Pink ecc.).

Su questo impianto teatrale si innesta una vertiginosa struttura a flashback, tipica del genere, infarcita di dialoghi brillanti da commedia (nera), come ad esempio nella sequenza d’apertura, in cui troviamo i membri della banda, gangster professionisti, parlare dei loro singoli musicali preferiti di Madonna, come fossero persone comuni intente a passare del tempo con argomenti occasionali e frivoli. Black Humor quindi e un’ esplosiva carica di violenza contraddistinguono quest’ottima pellicola intrisa di riferimenti, come già detto, al cinema noir-gangsteristico, che vanno dal Kubrick di Rapina a mano armata al Melville di Lo spione, passando per alcune pellicole italiane di maestri del genere, cosidetto poliziesco all’italiana, come Fernando di Leo, autore tra gli altri di Milano calibro 9 e Umberto Lenzi.

Nel film sono presenti sequenze di straordinaria forza espressiva, raggiunta anche grazie a un gruppo di interpreti di prim’ordine come Harvey Keitel, anche coproduttore del film, Tim Roth, Michel Madsen e Steve Buscemi, caratterista di talento tra i prediletti di Tarantino che ritorna in un piccolo cameo in Pulp fiction, e dei fratelli Coen, il quale lo ritroviamo in Fargo e ne Il Grande Lebowsky.
Fabrizio Catalani

Un film magnifico che gioca con gli stilemi thriller e con il tema del colpo perfetto. Il finale è mozzafiato, accompagnato da un montaggio serratissimo che già dall’inizio fa intuire, proponendo appunto spezzoni di un ipotetico post-rapina con delle persone interrogate in un commissariato, una trama ricca di emozioni e colpi di scena. Il tema come al solito, consocendo i film in cui si imbatte Spike Lee, tralaltro registicamente impeccabile, ha uno sfondo politico, cosa tralaltro che non ti aspetteresti vedendo come procede il film, ma è finemente costruito e rimane all’interno del conflitto “guardie e ladri” che accompagna tutto il film…In definitiva “Inside Man”, secondo il mio modesto, ma insindacabile parere, è un capolavoro di questi ultimi anni, per la sua capacità di sorprendere per tutta la durata del film, per il suo cast stellare (Clive Owen, Jodie Foster, Denzel Washington e molti altri), per la regia, per la trama fitta e per i suoi momenti grotteschi e paradossali tipicamente Spike Lee! Consigliatissimo!

Inside Man
di Spike Lee
con Clive Owen, Jodie Foster, Denzel Washington
(2006)

Quattro persone mascherate da imbianchini fanno irruzione nell’edificio della Manhattan Trust, caposaldo finanziario di Wall Street e in pochi minuti prendono in ostaggio cinquanta persone tra impiegati e clienti della prestigiosa banca, costringendo loro ad indossare delle tute e delle maschere. Nel frattempo intervengono le forze di polizia, tra loro figura il brillante detective Keith Frazier ( Denzel Wahington), che ha la responsabilità di negoziare con il capo dei Imagecriminali: Dalton Russell (Clive Owen), un uomo estremamente intelligente che mantiene in scacco le forze dell’ordine con un piano inattaccabile nel quale i malviventi sono sempre un passo più avanti alla polizia. Frazier inizia a sospettare che dietro a tutto ciò vi sia qualcosa che gli viene tenuto nascosto, quando sul luogo appare Madeline White (Jodie Foster), una potente e misteriosa mediatrice che chiede di interloquire da sola con Russell per conto dell’imprenditore Arthur Case (Christopher Plummer), presidente del consiglio di amministrazione della Manhattan Trust. Cosa vuole veramente Russell? Che ruolo hanno in questa faccenda Madeline White e Arthur Case? Queste le domande a cui Frazier cerca di dare risposta impegnandosi contemporaneamente a salvare la vita degli ostaggi, ingaggiando un rischioso gioco al gatto e al topo nel quale le regole cambiano continuamente. Una mossa sbagliata può portare la situazione verso un epilogo catastrofico e mortale.
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Che Michael Mann fosse sinonimo di sicurezza, lo si sapeva già, ma quando uscì questo film, qualche anno fa, con un Tom Cruise volutamente “depatinizzato” (De Mauro appunta), l’imberbe Jamie Foxx e per sfondo una Los Angeles nuda e cruda, fuori dal clima orgiastico hollywoodiano, ho personalmente goduto!!!
Davvero una bella prova quella di Tom Cruise, sicario professionista e altrettanto quella di Jamie Foxx, tassista utopico, peggio di Travis Bickle (eheh), che dopo questo film ha iniziato la sua ascesa nell’olimpo (questa volta sì) hollywoodiano, i due tengono alto il ritmo di un film, che comunque ha una storia che la tiene alta già di suo. Il merito di Mann è di offrirci una Black Los Angeles, come non se ne vedevano da un pezzo e fa riflettere in molte parti del lungometraggio, regalandoci un buon noir in versione moderna. Assolutamente da vedere, sconsigliato a chi non apprezza questo sito

Collateral
di Michael Mann
con: Tom Cruise, Jamie Foxx, Mark Ruffalo
(2004)

La pellicola di Michael Mann- già autore di neo noir come Strade violente (1981), Manhunter (1986) e Heat- la sfida (1995)- ci regala un ottimo esempio di noir contemporaneo.
Protagonista assoluta di questa pellicola è la Los Angeles notturna contemporanea che fa da sfondo, accoglie e al tempo stesso risucchia i protagonisti: Max, un mite tassista, interpretato da Jamie Foxx che sogna di migliorare la propria condizione aprendo una ditta di auto di lusso e Vincent (Tom Cruise), sicario dalla mente lucida e razionale, incaricato di uccidere in poche ore sei testimoni di un’ inchiesta nel traffico di narcotici. Il tempo filmico è quello di un intera notte, nella quale gli eventi si susseguono ad un ritmo serrato e di pari passo si delineano le personalità dei due protagonisti, i quali arriveranno poi ad una resa dei conti finale.
Questa notevole pellicola è un ottimo esempio di noir metropolitano intriso di ansie e paure dell’ America contemporanea, il tutto rappresentato anche dal punto di vista formale senza patine o filtri propri di molti film hollywoodiani laccati affini a questo, sia dal punto di vista tematico che formale. Ciò grazie all’utilizzo di una macchina da presa digitale e del solo uso di luci presenti nel panorama urbano, ossia senza l’ausilio di luci ed attrezzature, tranne che in alcune scene, di consueto usate nell’industria cinematografica. L’immagine che ci viene offerta è quindi anche dal punto di vista visivo, quella non certo da cartolina, nonostante ciò non meno cristallina e brillante come ci viene mostrato soprattutto nelle bellissime riprese dall’ alto della città.
Fabrizio Catalani

Ancora i fratelli Coen, che nel cinema moderno sono forse i più grandi, i migliori da molti punti di vista e , diciamolo, sono un po’ ossessionati dal Noir. In particolare questo “L’uomo che non c’era”, ci riporta alle atmosfere del classico film noir anni 50, a partire dall’ambientazione, l’introduzione della voce fuori campo e, a questo punto immancabile, pellicola in bianco e nero. Colpisce e appassiona in questo film, la sua storia così dannata e propria dell’archetipo noir, con il solito uomo comune, al centro di situazioni che a poco a poco diventano più grandi di lui, caratterizzata da quei ritmi lenti e drammatizzati del genere, testimoni delle spirali di fumo che sembrano rappresentare l’unico vero piacere di questo “uomo dei nostri tempi”, (ehm…in pratica non c’è un fotogramma in cui il magnifico protagonista Billy Bob Thornton non abbia in bocca una sigaretta). Il cast è al solito validissimo (piccola parte anche per un attrice poco conosciuta a quei tempi, adesso un po’ di più, si chiama Scarlett Johannson), la storia e la sceneggiatura ricalcano dei classici, ma tengono botta e validissime, la regia è sorprendente, i Cohen si confermano perseguitati dal Noir, ma questo non può che essere un piacere…

L’uomo che non c’era
di Joel e Ethan Coen
con: Billy Bob Thornton, Frances McDormand, James Gandolfini, Michael Badalucco
2001

Con questa pellicola i fratelli Coen ci offrono il loro piu’ sentito omaggio al cinema noir classico. La vicenda ha come protagonista un barbiere della provincia californiana, il quale conduce un’ esistenza grigia, lavorando come secondo barbiere nel negozio di suo congnato. Il suo destino cambierà in seguito all’omicidio del datore di lavoro e amante della moglie, ed in seguito a questo sarà incapace di controllare il tragico meccanismo innescato dal destino, come molti antieroi del noir che lo porterà sulla sedia elettrica.

Il film puo’ essere ricondotto alla tradizione classica del genere, ma al tempo stesso ne esce qualcosa di nuovo, grazie alla commistione di vecchi stilemi come la voce fuori campo, il bianco e nero della fotografia, l’inesorabile fatalità che permea il tutto e trovate grottesche, virate verso l’assurdo proprie dei film dei registi.

Quello che ne viene fuori è un film ,a mio modo di vedere, unico nel suo genere. Un ottimo esempio di cinema postmoderno che riesce a mescolare vecchio e nuovo, classico e avanguardista.
Fabrizio Catalani

Cercando e ricercando nella rete recensioni italiche, viene fuori che questo “Un Uomo Qualunque” di Frank Cappello non sia un granchè…mah! Ma io mi dico…sicuramente la mia predilezione per un attore come Christian Slater mi ha portato subito dalla parte degli incensatori di questo lungometraggio, d’altra parte non sono un critico cinematografico, ma quel che penso è che a volte si fa troppo presto ad etichettare come “confuso” in senso negativo, questo o quel film che richieda un po’ di sforzi, un po’ di immaginazione per comprendere appieno o perlomeno farsene un’idea propria (e questo mi successe già quando mi trovai a difendere quel piccolo capolavoro, secondo me, di Donnie Darko). Insomma un film che alla base ha un archetipo del nostro sottogenere preferito: un uomo qualunque, appunto, solo un numero in ufficio, non visto dalle donne e via dicendo, che vuole prendersi una piccola rivincita contro il mondo a lui ostile, ma che, per circostanze che non anticipo, si ritrova a essere un eroe. Potrei sintetizzarlo qui, ma il film è anche altro. Da situazioni surreali e grottesche, a spruzzate di commedia e humor nero, Cappello disegna una società media americana con toni sarcastici e crudi, fino al contorto (dunque non per forza “non bello”) finale. Io l’ho promosso, e voi?
Da provare in ogni caso!

Un Uomo Qualunque
di Frank Cappello
con: Christian Slater, William H. Macy, Elisa Cuthbert
2006

Negli States sempre più si sente di killer improvvisati, di istanti di ordinaria follia in cui esplode una bomba emotiva, e lo fa nel peggior modo possibile. Uomini qualunque, in cerca di un macabro riscatto verso un mondo che non sentono più loro, dal quale si allontanano, rifiutati.

Il mondo è pieno di uomini qualunque. Che si alzano la mattina, si mettono a fatica un paio di lenti a contatto, mangiano i loro cereali in scatola, bevono il loro caffè, si fanno un brutto nodo alla cravatta ed escono di casa.
Il mondo è pieno di uomini qualunque che guidano una berlina di seconda mano, entrano in un ufficio in cui sono soltanto un numero, in una scuola dove sono unicamente un voto, in un negozio dove sono un mero profitto.
Il mondo è pieno di uomini qualunque, che sotto un’apparente patina di normalità, di banalissima, sommessa, quasi introversa normalità, celano un risentimento profondo, malato, rancoroso, ai limiti dell’azione violenta, pronto a deflagrare quando meno ce lo si aspetta.
E’ di uno di questi uomini qualunque che parla il film dell’italoamericano Frank Cappello, che veste Christian Slater dei tristi e polverosi panni di un impiegatuccio di nessun rilievo in un’azienda multinazionale, sfruttato e svilito da colleghi più giovani di lui, che soffre di un complesso di inferiorità e sogna una eclatante vendetta. Il fato vuole che, proprio nel momento in cui sta per realizzarla, un suo collega lo anticipi iniziando a sparare all’impazzata, trasformandolo così da un potenziale assassino in un eroe.
Continua

La notizia in effetti è che la novella “Island in the Stream”, scritta nel 1950 da Ernest Hemingway diventerà presto un film. Tommy Lee Jones produrrà e dirigerà il film, oltre a essere uno dei primi attori. Nel cast anche l’immarcescibile Morgan Freeman e il grande John Goodman. Si accosta il “thriller” ad Hemingway perchè probabilmente Tommy Lee Jones darà questo taglio al film, tratto appunto dalla novella del premio Nobel per la letteratura. Che vincerà anche un premio Oscar postumo?? Staremo a vedere…

Tommy Lee Jones firmerà la regia del thriller Islands in the Stream, tratto dall’omonimo romanzo di Ernest Hemingway una produzione con un budget limitato come gli altri film dell’attore: non dovrebbe infatti superare i 30 milioni di dollari.
Oltre a dirigere, Tommy Lee Jones sarà produttore e attore; faranno inoltre parte del cast John Goodman e il premio Oscar per Million Dollar Baby, Morgan Freeman.

Il romanzo Isole nella Corrente è un’opera sui generis dato che nasce in un periodo particolarmente travagliato nella vita dello scrittore e soprattutto perchè il libro, così come oggi lo leggiamo, è uscito postumo estratto da quella serie di manoscritti, iniziati e non finiti, finiti e non riveduti che Hemingway lasciò al momento della sua morte. Hemingway non aveva quindi preparato il romanzo per il pubblico secondo i suoi canoni letterari, ma questo non indebolisce certo la sua forza, ma anzi rafforza la sua bellezza proprio in virtù della sua non-revisione.
Tutto questo è amplificato dal fatto che Island in the Stream è un romanzo largamente autobiografico, forse il più autobiografico nella produzione dell’autore.

Riguardo la pellicola non sono ancora trapelate indiscrezioni, ma la curiosità per il taglio che Jones deciderà di dare al lavoro è alta, perchè il regista ha l’occazione di mostrare Hemingway in luce moderna, innovativa e thriller.
Fonte

Ogni tanto va di moda, è inneggiato e idolatrato, ma dopo un po’ torna la “solita spazzatura di un’Italietta provinciale”(non secondo me ovviamente), il Poliziottesco anni 70 rappresenta uno dei generi migliori che la cinematografia italiana ha mai prodotto. Ma questo post non vuole essere un post su questo genere, anche se in futuro avrà spazio, ma un omaggio a un grande interprete di questo filone, che ci ha lasciato troppo presto, una ventina di anni fa, a quasi 50 anni: Maurizio Merli. Vera e proprio icona del poliziottesco interpretò tra i tanti: Roma violenta (1975), Napoli violenta (1976), Paura in città (1976), Roma a mano armata (1976), prima di lasciarci nel 1989 a causa di un infarto, comunque in un periodo dove, con la crisi del poliziottesco, ormai era stato allontanato da quasi tutto l’ambiente cinematografico. Rimane un grande rappresentatore di quel cinema e questo post è per lui. Grande Maurizio!

Biografia

Non è per Cannes che gli ha consegnato due premi prestigiosi. Non è per la critica che li ha acclamati. Non è per i miei amici, che ne hanno parlato quasi tutti bene. E’ perchè ho visto con i miei occhi questi due film e mi va di consigliarveli, anche sollecitandovi, sempre gentilmente…Gomorra è stato uno shock, a livello sociale, come storia, i personaggi più che realistici e la regia del gran Garrone, scarna, quasi nascosta, ma con uno stile impeccabile che alla fine ha risaltato, vista la considerazione finale del film…mentre l’altro, Il Divo, realizzato ad arte da un regista che pian piano si sta insinuando nell’olimpo dei grandi, e lui lo sa, Sorrentino, e se ne compiace un po’, giustamente…virtuosismi, bravi gli attori (come non citare Servillo, che di Sorrentino è ormai attore feticcio, e che è presente anche nell’altro film) cronaca, surrealismi, tanto mestiere e una colonna sonora azzeccatissima e accattivante, fanno di questo film una pellicola potentissima…in definitiva: due prove encomiabili, un pugno in faccia, a chi di dovere, per far vedere che il BUON cinema italiano ancora c’è, ed è capace di affrontare tematiche sociali con il piglio giusto, non come certi film (senza fare nomi) in cui si piange, si trasgredisce e poi si ci si pente…

A Roma c’è un uomo che da 60 anni la notte non dorme, ma lavora, scrive, prega. Un uomo che rappresenta il potere da oltre 40 anni, sette volte Capo del Governo, otto volte Ministro della Difesa, cinque volte Ministro degli Esteri, due volte Ministro delle Finanze, del Bilancio e dell’Industria, una volta del Tesoro, dell’Interno e delle Politiche Comunitarie. Un uomo che è il principale ‘enigma’ italiano dal dopoguerra ad oggi, un vero Divo della politica di questo paese… Giulio Andreotti.
Portando sullo schermo solo una parte della vita del Senatore a vita, dalla fine del suo settimo governo, aprile 1992, alla vigilia del processo di Palermo, dove fu rinviato a giudizio per associazione mafiosa, con in mezzo la mancata conquista del Quirinale, la strage di Falcone, il rapimento e l’uccisione di Moro e la lunga malattia, Paolo Sorrentino ci regala un capolavoro che meritava la Palma d’Oro e che deve andare agli Oscar…
Chi attacca e umilia il cinema italiano dovrebbe vedere le opere di Paolo Sorrentino, giovane regista napoletano che, con Il Divo, ha confermato di essere il più grande talento mai apparso sui nostri schermi da 15 anni a questa parte.
Visionario, grottesco, surreale, il cinema di Sorrentino è Cinema d’Autore con la C maiuscola, capace di toccare il suo massimo splendore nei primi 40 minuti di questo film. Sorrentino riesce nell’impresa di spettacolarizzare la Democrazia Cristiana e la ‘corrente andreottiana’, portata sullo schermo come una banda di Iene tarantiniane, con Cirino Pomicino, detto O’ Ministro, il fidato Evangelisti, detto Limone, Giuseppe Ciarrapico, detto il Ciarra, Vittorio Sbardella, detto Lo Squalo, Salvo Lima, detto Sua Eccellenza e il Cardinale Fiorenzo Angelini, detto Sua Sanità.
Continua

Due ragazzi, con addosso solo mutande e scarpe, sono in spiaggia; attorno a loro il vuoto, di fronte a loro solo l’acqua. Marco e Ciro prendono delle armi, rubate in precedenza: pistole, mitraglie, addirittura kalashnikov. Sparano urlando, sentendosi forti e padroni del mondo. Il potere che hanno in mano consente addirittura, con un colpo solo, di far esplodere una barca.
Come Al Pacino in Scarface, ora anche Miami potrà essere ai loro piedi: basta fare la guerra. La loro è solo una delle cinque, sconvolgenti storie che fanno parte di Gomorra, il nuovo film di Matteo Garrone, in corsa per la Palma d’Oro all’ultimo Festival di Cannes. Cinque storie di ordinaria follia, tratte dal best seller di Roberto Saviano, che ha avuto il coraggio di mettere su carta le atroci verità sulla camorra nel quartiere napoletano di Scampia.
Una guerra che viene descritta nella sua normalità più agghiacciante: c’è chi ogni giorno paga le famiglie dei detenuti del clan a cui appartiene, c’è chi smaltisce i rifiuti tossici del Nord portandoli a Napoli, c’è chi lavora come sarto e rischia la pelle per aver “venduto” le sue lezioni alla concorrenza cinese. E poi ci sono i giovani: oltre a Marco e Ciro, anche Totò, che dopo una prova a suon di pallottole entra nel giro già a 13 anni…
Bastano cinque storie per rendere l’idea di quella grande “industria” che parte dalla gente più normale ed arriva a condizionare sovrastrutture mondiali? L’interrogativo alla lunga sembra anche inutile. Gomorra di Garrone non è Gomorra di Saviano: non poteva esserlo sin dall’inizio, perché l’aver semplicemente trasportato su pellicola quelle pagine sarebbe stata una mossa suicida.
La scelta degli sceneggiatori (sei in tutto, tra cui sia Garrone che Saviano) sembra perfetta per raccontare con occhio limpido una realtà che se si vede passa sempre troppo inosservata. Il film è abilmente costruito con una tecnica che abbandona i barocchismi e si adatta alle storie che racconta: gli abbondanti primi piani, che lasciano fuori fuoco personaggi e paesaggi che stanno dietro per concentrarsi sulle espressioni dei protagonisti, i campi lunghi che contribuiscono a creare inquadrature perfette per far vedere le desolanti ambientazioni, sono solo necessari e mai fuori luogo.
Continua

Grazie ai ragazzi di Cineblog

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Solitamente l’eccesso di antibiotici, specialmente in tenera età, indebolisce le difese immunitarie, o giù di lì. All’età di 12 anni, io e mia cugina decidemmo di vedere Shining di Kubrick che davano in seconda serata, in una notte d’estate (i Bellissimi di Rete4, quante notti insonni!). Per me è stato come il discorso degli antibiotici sopra, non mi sono più ripreso e le mie difese, quando guardo dei film “paurosi” o “di paura”, crollano, in quanto esauste. Con il Nascondiglio di Pupi Avati ho potuto ritestare le mie difese immunitarie. che sono state messe un po’ in difficoltà.
Altrochè…per me è stato proprio inquietante questo film. M’ha messo paura per 2-3 giorni, poi è finita lì. Oddio, se dovessi capitare dalle parti di Davenport, Iowa, il disagio si rifarebbe vivo, ma visto le mie disponibilità economiche, so di poter dormire tranquillo, che tanto resto in Italia.
Brava Laura Morante, bravo Pupi Avati. Quest’ultimo, dopo molti anni, sceglie di tornare a fare un film diciamo Thriller con sfumare Noir e un pizzico di Horror (più che altro per certe scene, verso il finale, che non rivelerò), e sceglie una location provinciale, come molti dei suoi film in atmosfere emiliane, ma a stelle e strisce. Francamente sono rimasto stupito dalla trama, inquietante e originale, dalla bravura di quasi tutti gli attori (uno su tutti il simpatico e immarcescibile Burt Young), composto anche da vecchie glorie, come Rita Tushingham. Il livello di regia, trattandosi poi di Avati è incontestabile.
Offuscato dalla critica, che gli rinfaccia un certa banalità, mi sento in dovere, come al solito, di andare contro questi giudizi, forse sempre un po’ di parte e snob, verso un genere che dovrebbe forse trovare un po’ di spazio, in questa Italietta obnubilata da veri fenomeni della zuppa riscaldata ( e non faccio nomi perchè la lista è lunga e perchè, come diceva Croccolo su “Tre uomini e una gamba”, sono un signore). Lascio solo questi miei commenti e vi allego una recensione più esaustiva, che ho preso da Scheletri, in verità anche questa un po’ critica, ma ognuno ha i suoi gusti, e i ragazzi di Scheletri non appartengono sicuro a quella categoria di “critica” che ho dileggiato più in su, anzi….
Forza Pupi, e grazie per la chicca, quando riacquisterò un po’ di coraggio lo comprerò in DVD.

Il Nascondiglio
di Pupi Avati
con: Laura Morante, Burt Young, Treat Williams, Rita Tushingham, Yvonne Sciò, Peter Soderberg, Sydney Rome, Giovanni Lombardo Radice
(2007)

Se Terence Stamp nel “Toby Dammit” felliniano doveva girare “il primo western cattolico”, Pupi Avati con “Il nascondiglio” gira il suo quarto “horror cattolico” (anche se lui preferisce “thriller-gotico”), dopo piccoli capolavori come “La casa dalle finestre che ridono”, “Zeder” e “L’arcano incantatore” che ormai sono, nel genere, dei classici minori del cinema italiano. Evidentemente turbato dai paraphernalia della religione cattolica e dai suoi ministri, questa volta Avati ambienta il suo film in un ex-pensionato gestito da suore a Davenport, nello Iowa. Dopo un breve prologo ambientato negli anni ’50, troviamo Laura Morante che, appena dimessa da un ospedale psichiatrico in cui era stata ricoverata dopo il suicidio del marito, è in cerca di una sede adeguata per aprire un ristorante italiano. L’agente immobiliare Burt Young le propone una casa disabitata da anni, la Snakes Hall, che viene affittata ad un prezzo irrisorio. E qui lo spettatore inizia ad inquietarsi dato che, di questi tempi, una casa ad un prezzo accettabile è come minimo infestata, tantopiù se ha dei serpenti sulla facciata. Difatti, in men che non si dica, la poverina comincia a sentire stridule vocine, e ad avvertire inquietanti presenze al piano superiore. Indagando sull’accaduto, scopre che la casa era stata anni addietro scenario di un delitto, quando due novizie massacrarono la madre superiora e due anziane pensionanti. La Morante, invece di traslocare, decide di proseguire nella sua investigazione e, battendosi contro una rete invisibile di omertà e connivenze, di risolvere il mistero legato alla strage, che ovviamente non sveleremo. La prima impressione è che Avati non abbia guadagnato gran che dall’ambientare la sua storia oltreoceano, e che semmai abbia perso qualcosa per strada durante la traversata. Ovvero tutte le atmosfere che facevano la sua originalità ed anche la sua unicità, gli umori ed i sapori, anche neri e grotteschi ma tipicamente italiani, anzi emiliani, che da sempre hanno nutrito il suo cinema anche nei momenti più malinconici e fuori dal genere.
Continua